Mi Visión Musical - Chile

MOTÖRHEAD EN CHILE

2007-11-05T08:12:00.000-08:00

Para revivir aquella noche de ROCK!

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TRES DEL LOBO ASESINO

2007-06-11T10:04:00.000-07:00

Rock. Crudo y oscuro, más cachondos tintes de blues. Extraordinaria mezcla que encontramos en estos discos, las primeras perlas negras de la carrera del norteamericano Glenn Allen Anzalone como DANZIG, luego de mutar su anterior banda, Samhain, en 1987.

Un estilo de rock clásico, marcado con el singular tono de voz de Glenn Danzig, que domina todo el espacio sonoro con una sensibilidad que a veces incluso satura, pero que imprime una fuerza brutal que es capaz transitar del rock más duro al blues más seductor.

Tres discos que tienen sus diferencias. La primera encarnación homónima, de 1988, marca desde un comienzo la vena Sabbathica del sonido Danzig y que se mantendrá hasta el giro a lo industrial del 5º albúm (Blackacidevil) en 1996. El segundo, ‘Lucifuge’ de 1990, aborda más decididamente el blues, con muy satisfactorios resultados. Y la tercera entrega, ‘How the Gods Kill’ de 1992, se encierra en atmósferas mucho más oscuras, pero sin perder el estilo de sus predecesores.

DANZIG

Lanzamiento: Agosto de 1988

Grabación: 1987-1988

Duración: 40:57

Discográfica: American Recordings

Productor: Rick Rubin

Danzig fue el primer LP del grupo, producido por Rick Rubin, productor de grupos como AC/DC, Metallica y Slayer. El álbum cuenta con la colaboración en los coros de James Hetfield, guitarrista y cantante de Metallica, en los temas "Twist of Cain" y "Possesion", pero por problemas con las productoras no figuró en los créditos.
El disco alcanzó la fama entre 1993 y 1994 cuando el tema "Mother" empezó a escucharse en radios y televisión por la inclusión de este single de la banda en la placa Thrall: Demonsweatlive, grabada en vivo.

TEMAS

"Twist of Cain" – 4:18

"Not of This World" – 3:42

"She Rides" – 5:10

"Soul on Fire" – 4:36

"Am I Demon" – 4:57

"Mother" – 3:24

"Possession" – 3:56

"End of Time" – 4:02

"The Hunter" (Albert King) – 3:31

"Evil Thing" – 3:16

CRÉDITOS

Glenn Danzig - voz

Eerie Von - bajo

John Christ - guitarra

Chuks Biscuits - batería

Adicional:James Hetfield - coros en "Twist of Cain" y "Possesion"

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DANZIG II: LUCIFUGE

Lanzamiento: Junio de 1990

Grabación: 1989 - 90

Duración: 49:28

Discográfica: American Recordings

Productor: Rick Rubin

Danzig II: Lucifuge fue el segundo álbum de Danzig, producido por Rick Rubin y lanzado en 1990 por la discográfica Def American Recordings. El disco tiene un sonido variado combinando riffs destructivos y blues, rompiendo con el ritmo heavy, pero siempre llevando impreso un estilo Sabbath, un estilo más lento y amenazador.

TEMAS

"Long Way Back From hell"

"Snakes of Christ"

"Killer Wolf"

"Tired of Being Alive"

"I'm the One"

"Her Black Wings"

"Devil's Plaything"

"777"

"Blood and Tears"

"Girl"

"Pain in the World"

CRÉDITOS

Glenn Danzig - voz

Eerie Von - bajo

John Christ - guitarra

Chuks Biscuits - batería

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DANZIG III: HOW THE GODS KILL

Lanzamiento: 14 de julio de 1992

Grabación: 1991 - 92

Duración: 49:16

Discográfica: American Recordings

Productor: Glenn Danzig y Rick Rubin

Danzig III: How the Gods Kill es el tercer disco de Danzig. El álbum contó con la producción de Glenn Danzig y Rick Rubin (productor de sus dos anteriores placas) y fue lanzado en 1992 por el sello Def American Recordings.
En este álbum destaca un sonido más oscuro, con atmósferas tenebrosas y siniestras, a comparación de sus anteriores trabajos. No faltan los aplastantes riffs, aunque por momentos se transforman en preciosas melodías, mezclados con la poderosa voz de Glenn. Los temas más destacados son "How the Gods Kill", "Dirty Black Summer" y "Sistinas".

TEMAS

"Godless" – 6:51

"Anything" – 4:49

"Bodies" – 4:25

"How the Gods Kill" – 5:57

"Dirty Black Summer" – 5:14

"Left Hand Black" – 4:30

"Heart of the Devil" – 4:40

"Sistinas" – 4:25

"Do You Wear the Mark" – 4:47

"When the Dying Calls" – 3:31

CRÉDITOS

Glenn Danzig - voz

Eerie Von - bajo

John Christ - guitarra

Chuks Biscuits - batería

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Sobre dosis de Rock and Roll

2007-05-08T12:58:00.000-07:00

Sencillamente fue una experiencia única, de aquellas sobredosis de rocanrol inyectadas directo a la vena que te deja imbecil desde el primer golpe de bombo, el primer acorde de guitarra y el inicio aplastante del bajo. Un combo en el hocico, una patada en la raja, eso es Motorhead, eso fue lo que recibimos durante poco más de una hora y media el 2 de mayo en el Estadio Victor Jara de Santiago.

A eso de las 7 de la tarde nos juntamos 4 amigos en casa de uno de ellos para hacer la previa a lo que se venía, unos litros de cerveza y sus dosis de risa en tubo fueron consumidas en una hora para emprender viaje al mítico recinto.

A decir verdad nunca he sido muy fanático de Motorhead pero definitivamente era un espectáculo al que había que asistir, estar frente a una leyenda como Lemmy es un oportunidad irrepetible, sobre todo pensando que años atrás pasó por Santiago sin pena ni gloria en un espectáculo con apenas 300 pelagatos. Pero esta vez fue diferente, unos 5 mil o 6 mil rockeros ávidos de potencia y poder le dieron la bienvenida a las 21 horas del 2 de mayo con la furia y cariño que caracteriza a la fanaticada local.

Lemmy Kilmister, Phil Campbell, , Mikkey Dee sacaron el freno de la aplanadora y pasaron por encima de las miles de cabezas que se azotaban al ritmo de los riffs demoledores de clásicos y temas nuevos.

Dr. Rock, abrió la noche con algunos problemas de sonido, la verdad es que había que ser bien fan del grupo para entender qué estaban tocando pues el alto volumen sumado a la mala acústica del lugar amenazaron los primeros minutos con una masa de ruido, sin embargo poco pareció importar al respetable. Luego del primer combo, vino la patá en la raja con el clásico ‘Stay Clean’que definitivamente puso a la gente a comer en la palma de la mano del legendario Lemmy.

Luego, una dosis de material nuevo, a mi parecer muy bueno, potente, lleno de furia y rocanrol. Canciones del último disco Kiss of Death e Inferno dieron paso a los desempolvados Metropolis y Over The Top. A esa altura daba la impresión de que un papá buena onda estaba dando clases a sus hijos de como comportarse en el mundillo rocanrolero, la lección era simple, júntate con tus amigotes, destapa unas cuantas cervezas y embriágate de rocanrol, y así no mas lo hicimos.

Una vez aprendida la lección, Kilmister con su estampa de rockstar se mandó quizá la parte más potente del show con una seguidilla impresionante de canciones: One Night Stand, I Got Mine, In The Name Of Tragedy, Sword Of Glory y The Chase Is Better Than The Catch del album clásico Ace Of Spades.

De ahi se vino Rosalie para entrar con toda la violencia de Sacrifice, una oda al exceso de potencia y brutalidad en este género. Ahí, la masa de cabelleras sudadas y enredadas unas con otras se dejaba empujar de lado a lado dando vida al mito que el público mapuche es de verdad el más desordenado y furioso de latinoamerica. Quedó la cagá, sobre todo cuando el maldito Dee se despachó el sólo de batería mas brutal y energético que escuchado en vivo, un derroche de maestría, dominio, fuerza y poder que podría haber disfrutado durante una hora más sin aburrirme un segundo.

Pero el merequetengue estaba lejos de terminar, una presentación echándole unas buenas puteadas a la clase política y se vino el mierdal lírico con Just ‘Cause You Got The Power, You Believe You Got the Right. Y la metralleta no se detenía, las balas cruzaban los craneos con rock ‘n roll ‘Going To Brazil, Killed By Death, y al camarín por un Jack Daniel´s luego de Iron Fist.

¿Pero quien quería descansar? ¡Vamos por más que no nos iremos ni cagando! Se vino el momento suave del espectáculo. Phil Campbell y Mikkey Dee guitarreando un blues cantado aguardentosamente por "don leyenda": Whorehouse Blues. Interpretado en una pose absolutamente despreciable, en el buen sentido de la palabra, abacanada quizá con su cigarro en la mano como si nada mas importara que pegarse una buena bluseada. Notable.

Termina el tema y en cosa de segundos nos dejan en el suelo para rematarnos a patadas y palos con Ace Of Spades y ‘Overkill. Se prenden las luces y nadie se quería ir. No había más, pero queríamos mucho más. Rocanrol hasta la muerte era la consigna (para variar). No nos quedó otra que salir del Jara, buscar a los amigotes, encontrarse con otros tantos que salían de las distintas puertas del estadio y partir a destapar las merecidas y heladas cervezas que esperaban por nosotros en algún piringundín de aquel oscuro barrio. Y así nos fue.

Nunca supimos quien era este guatón

Apagando la sed...

Jethro Tull en Chile: El campesino lo hizo de nuevo - 18 de abril de 2007

2007-04-19T14:57:00.000-07:00

Anoche, la banda escocesa de rock progresivo, Jethro Tull, se presentó por quinta vez en nuestro país y produjo lo de siempre: un público transversal tanto en edad, estilos y condición social que repletó el renovado Teatro Caupolicán con un fervor y admiración por los británicos que cumplen 40 años de carrera musical, record que podría ser compartido con muy pocos, entre ellos Los Jaivas y los Rolling Stones, claro que Jagger y compañía no pueden alardear de ser una carrera ininterrumpida.

Bueno, pero no nos desviemos, a 20 minutos del inicio del show el teatro ya lucía bastante lleno. El escenario, como siempre, denotaba la sencillez de una banda que se destaca estrictamente por lo musical dejando la parafernalia escénica de lado lo que ha sido una constante en todas las presentaciones en Chile y en su carrera en general, matizada en su primera década quizá por la excentricidad del vestuario que usaban en los sesenta - setenta.

Pasado las 21 horas se apagaron las luces e inmediatamente el respetable le da la bienvenida sincera, admirada, fanática a Ian Anderson y a su eterno compañero de las 6 cuerdas, Martin Lancelot Barre, quienes abren con el espléndido blues ‘Someday The Sun Won’t Shine For You’ corte del álbum debut de Jethro Tull, “This Was” en el ya lejano 1968. Fue un comienzo melancólico, lleno de recuerdos y magistralmente interpretado en una muestra que nos depararía un recital altamente acústico.

Luego un clásico por donde se escuche, un tema que la verdad no esperaba disfrutar esa noche, uno de mis favoritos por cierto. Gatillaron con la exquisita Living in The Past, tema de 1972 perteneciente al disco homónimo. Claro que habría preferido la versión mas dura, de esas que uno suele encontrar en las desempolvadas imágenes en DVD con recitales de hace 30 años atrás, pero esta no le quitó ningún mérito a la emoción que se imprime en cada nota. Además era la tónica de esta presentación.

A continuación la etapa más campestre de la banda con Songs From The Wood y ‘Jack In The Green, rematando con el corte que da nombre a uno de los discos mas intensos de su carrera la notable Thick as a Brick. A estas alturas el Caupolicán se venía abajo, la gente aplaudiendo de pie y todo el recato se perdió para dar rienda suelta a una fanaticada fiel a unos de los músicos de rock más respetables de la historia contemporánea como los es Ian Anderson.

La etapa jazz con el corte Bouree para dar paso a un sueño dulce con Sweet Dream otro excelente desempolvado del año 1969, que sirvió de aperitivo a una instrumental claramente hecha para el lucimiento de los rockerísimos rifs de Barre quien formando un dueto espectacular con la violinista norteamericana, Anne Marie Calhoun, hicieron gala de solos en conjunto y conversaciones de cuerdas acompañados de manera sólida y perfectas por hermosas y complejas figuras musicales de Doane Perry tras la batería, John O’ Hara en los teclados y David Goodier en el bajo, quienes parecían ser la más sólida defensa de cualquier equipo de futbol inglés dando la tranquilidad para el lucimiento limpio e impecable de sus delanteros.

Hora de Superclásico

“Ahora vamos a tocar la canción más famosa de nuestra carrera” dijo Anderson, y comenzaron a sonar las reestructuradas notas para la versión 2007 de ‘Aqualung’, en una onda súper sinfónica y una suavidad desconocida si la comparamos con la fuerza que despliega la versión original o con el recuerdo que me trae la interpretación que hizo Anderson con su banda de apoyo en la gira solista del 2005 en el Court Central, que habría hecho temblar a la banda de heavy metal más extrema, así y todo el auditorio, una vez más, se conmovió y no quedó otra que aplaudir a rabiar y de pie semejante obra de arte.

Un tema hecho para el musical “Amor sin Barreras” llamado America hizo de bajativo al plato principal para luego rematar con My God, tema del disco de 1973, Aqualang, placa que ha entregado la mayor cantidad de clásicos en la historia de la banda y que en su edición remasterizada cuenta además con una interesante entrevista a Ian Anderson.

El público a estas alturas estaba absolutamente entregado y rendido a los pies de la banda, que si bien, en esta oportunidad presentó un sonido de menor calidad que en otras ocasiones, no opacó en lo absoluto la atmósfera ni la complicidad entre músicos y oyentes. Una química como pocas considerando la transversalidad y la diferencia de estilos entre el público que en definitiva se unen bajo una sola bandera, la del campesino Jethro Tull.

Una vez en que la comunicación era inquebrantable se vino la última parte del espectáculo, se dejó caer un hit de los años ochenta Budapest del disco “Crest Of A Knave”, álbum con que ganaron el Grammy en 1988, compitiendo entre otros con Metallica que en esa época rompía culos. De ahí a la recta final con un TE-MA-ZO, una especie de bis en el que el público enloquece y agradece con creces poder escuchar algo más. O´Hara comienza a digitar sus primeras teclas e introduce ese himno tremendo llamado ‘Locomotive Breath’, perteneciente también al Living in the Past con el cual comenzaban a despedir el idilio amoroso que duró casi dos horas y que para efectos del respetable se podría haber extendido fácilmente el doble de la jornada. Señor Anderson, venga cuando quiera, será siempre bienvenido.

Nota a parte es la diferencia que marcó la productora del evento, Océano, al menos a mi nunca me había tocado poder disfrutar de una cerveza helada comprada en el mismo recinto, y vaya que se hace grato estar frente a una gran banda de rock acompañado de los amigos y matizando todo ese cuadro con una, otra y la última cerveza antes que termine el recital. Felicitaciones por eso.

Luego caminamos directo al bar por las últimas....ehhh 4 botellas de litro. ¡¡Salud por Jethro y el Rocanrol!!

Vamos a seguir trabajando, no hay rivales fáciles

2007-04-05T14:01:00.000-07:00

Artista: La Pichanga
Álbum: Arriba de la Pelota. 2006

La pichanga típica de barrio es aquella que se juega en cancha de tierra, donde las patadas se cobran con una más ruda. Donde competir no es la tónica, si no ganarle al rival, ojalá por goleada y si las cosas se ponen feas las patadas y hasta combos podrían aparecer. Un gol tras otro, de arco a arco sin medio campo, todos contra todos. ¿Enredado? ¿Difícil de entender? ¿Demasiados protagonistas quizá? Bueno, esos elementos y quizá más son los que extrañamente identifico cada vez que escucho el disco llamado Arriba de la Pelota del trío La Pichanga.

Este trío compuesto por batería, saxo y contrabajo, nos trae una propuesta apta sólo para oídos experimentados. Una presentación en directo grabada en mayo del 2006 llamada Arriba de la Pelota, entrega nueve cortes que en jerga callejera suenan a eso: arriba de la pelota. Un disco que nos lleva por una senda pedregosa, de ida y vuelta, tal como rezan dos de sus canciones ¿Jazz, fusión, música contemporánea? Es difícil definirlo, pero sin duda una atracción si buscas algo diferente para tus sentidos.

Una tarde de verano, caminando entre las nuevas construcciones (o destrucciones) de las calles de Ñuñoa, llegué a una plaza donde me encontré con este trío que preparaba sus instrumentos para presentar las canciones de su nuevo disco, todo esto en el marco de algún programa de cultura comunal. Niños, ancianos, ciclistas componían a esa hora el público casual que por ahí se encontraba y pocos se podrían identificar como posibles seguidores de una banda que definitivamente es para oídos experimentados o para quienes quieran llegar a serlo.

En lo experimental está la clave. Se mezclan de vez en cuando con otros ritmos ofrecieron esa tarde Cristián Bidart en batería, Francisco Carvajal, contrabajo, y Edén Carrasco en saxo, y al segundo tema entendí el porqué del nombre Arriba de la Pelota. Ese concepto por lo general se acuña para alguien que se encuentra en un estado de excitación mental producto del alcohol o de cualquier otro tipo de sustancias que, para bien o para mal, provoquen momentos de euforia o descontextualización espacial y temporal. Bueno, la música de La Pichanga podría ser una sustancia nueva que o te hace adicto o te produce rechazo, sin concesiones, sin tregua, sin aviso siquiera de lo que puede pasar por la mente al meterse esas melodías al cuerpo.

Hace poco leí en una revista especializada de rock que La Pichanga “como una sonora, que hace recordar a La Cubanacán y a Tommy Rey, en un cruce inédito de música actual.” Es decir, ritmos, ritmos y más ritmos sobre la base de una improvisación impecable, elegante y desafiante. En esa misma ocasión Bidart comenta: “Lo más importante para nosotros, es tocar siempre con espontaneidad, con sorpresa y un espíritu lúdico. La improvisación es muy importante en el grupo pero también ejecutamos composiciones originales y otras no tanto.”

La Pichanga no podría encasillarse como un grupo de free-jazz, aunque a veces así pareciera, pues la libertad para improvisar mueve las interpretaciones de la banda. “Lo importante es la fluidez y que una idea musical nos lleve a otra” explicó Bidart.

Compadre, lo invito a jugar una pichanguita…pero póngase canilleras que el rival es duro.

Aún me desvío del camino por una pilsen y un completo”

2007-04-05T13:55:00.000-07:00

Artista: Mario Rojas & the Flaiting Project
Álbum: Sartén de Estrellas.

Mario Rojas, fue uno de los gestores del primer grupo de rap chileno De Kiruza, desde entonces se distingue una raíz funky criolla que cultiva hasta hoy. Actualmente al frente de The Flaiting Project, su nuevo grupo, entrega sus especiales y personales canciones en el disco Sartén de estrellas.

Este carismático artista, presenta un cúmulo de influencias, estilos y géneros que en este trabajo se distinguen en cortes con aire afroperuano en "Me separé", la balada "Los caminos del amor" que mezcla sonidos pop -rock o aquel relajado pasaje del disco que se plasma en "A puro corazón". Y la rapeada se viene sin tregua en los tracks "Todas mis canciones" y "Pegadito a la ventana de la micro", que avanzan por los escollos de la vida citadina y personal.

Rojas además, se ha preocupado, como acontece hoy con varios exponentes de la nueva generación de músicos, de redescubrir y reflotar un interés por la cueca. Quizá como hijo de la Nueva Canción y las múltiples influencias adoptadas en su periplo involuntario por el mundo logra plasmar de manera magistral todas estas influencias y además agregarle esa nota criolla y picarona del pueblo chileno.

Que decir de las letras, hay pasajes notables de frases callejeras, sencillas y enamoradas. Conjunto de palabras que llevan a pensar en lo cotidiano: “vive tus sueños, vívelos bien, sube, sube… sube a tu nube” nos invitan a viajar por los íntimos rincones de la memoria personal. “Vuelvo a mirar tras tus gestos…todos es igual, nada nuevo para mí”, desencanto, desamor… “busco la señal para encontrar el momento perfecto” dan vida al plato que se fragua en el Sartén de Estrellas, plato que será complementado cuando se baje de la micro en busca de una pilsen y un completo, a pesar de haber pasado la barrera de los 40, como reza una de sus líricas.

El Sartén contiene ingredientes nuevos y otros cocinados desde ya hace varios años. Algunas canciones, por ejemplo "Pegado a la ventana de la micro", fueron grabadas hace una década y hoy plasmadas gracias a un selecto grupo de músicos que forman parte de su The Flaiting Project, Tilo González en la batería, el gran Jorge Campos pulsando las cuerdas del contrabajo, Magdalena Mathey, coros; Felipe Bravo en las 6 cuerdas y Federico Faure, en las bases del bajo.

Sartén de Estrellas, producido por Tilo González, baterista y compositor de Congreso, tiene un sello pulcro y cálido donde se reconocen texturas acústicas que hacen buen juego con la voz, profunda, suave, gentil de Mario Rojas. Una placa para descubrir una seguidilla de estilos finamente mezclada en 45 minutos de excelente música nacional.

El brillo de un loco diamante

2007-03-16T09:36:00.000-07:00

Miércoles 14 de marzo, 18 horas, llega a su fin la jornada laboral y comienza la cuenta regresiva para disfrutar de una jornada sin precedente alguno en la historia de presentaciones en vivo en nuestro país: Roger Waters, tocando uno de los mejores disco de la historia del rock, el Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

Quizá el único parámetro de comparación sería el anterior show que el bajista británico hizo en Chile hace unos años, pero esto prometía ser sencillamente alucinante.

La entrada al Estadio Nacional fue tranquila, mucha gente por las calles y otro tanto ya estaba instalado en el recinto. Para mi era especial, sería la primera vez en que disfrutaría un recital de rock en compañía de mi hijo, sin duda, no había mejor oportunidad para hacerlo debutar en las grandes ligas en este fantástico camino del rocanrol.

Sólo una hora nos separaba del inicio del espectáculo y el nerviosismo en el público se hacía sentir. El escenario lucía impecable, con dos pantallas gigantes escoltando una escenografía que nos ofrecía una vieja radio tocando clásicos de la música popular mientras los últimos asistentes llenaban el coliseo ñuñoino.

Las melodías del alma

Las 9 de la noche y, con puntualidad inglesa, Waters irrumpe en el escenario con su impecable atuendo negro denotando esa estampa omnipotente que sólo puede tener una verdadera estrella de rock que lo ha hecho todo durante 4 décadas de carrera musical. Esa era la presentación de un grande, que bajo las melodías de In the Flesh inundó de emoción a los 50 mil corazones que tenía frente a él. Así continuó con Mother y remató con la exquisita y sicodélica Set the Controls for the Heart of the Sun, versión 2007 que nos hace recordar aquellas tantas jornadas tratando de descifrar lo que Barret plasmaba a fines de los 60 en esas memorables placas de la banda.

Shine on You Crazy Diamond y Have a Cigar aparecieron en el momento preciso para ir pavimentando la ruta al momento más emocionante en lo personal, quizá no el más alto del espectáculo, pero para mi fueron sin duda los 5 minutos más intensos y emocionantes que he tenido en toda mi vida. Escuchar y ver Wish You Were Here abrazado con mi hijo y sin miedo ni verguenza en dejar que las lágrimas se liberen, es lejos la mejor experiencia y la emoción mas intensa que he tenido en mis 33 años de vida. Después de eso simplemente había que dejar que el espectáculo continúe poniéndo el broche de oro de la primera parte con Sheep y la infartante aparición del Cerdo Volador.

¿Saben qué? es tan dificil expresar todo lo que experimenté en este recital, son innumerables las emociones y pocas las palabras para describirlas que esta vez dejaré la nota hasta acá y simplemnte la graficaré con fotos que saqué aquella noche. Esta es la ocasión en que una imagen vale más que mil palabras.

El lado oscuro de la luna se dejó ver anoche sobre Santiago

2007-03-15T14:15:00.000-07:00

Después de una larga ausencia en este blog, por fin he tenido el tiempo para escribir de lo que me gusta: música en vivo y que mejor que escribir sobre para mi gusto el recital del año. Roger Waters anoche deslumbro a los casi 50.000 personas que repletaron el estadio nacional; con una puesta en escena conceptual alrededor de 10 para las 9 los presentes pudimos ver como en la pantalla central del escenario una mano acompañada de un vaso de wiskie y un cigarro movía el dial de una antigua radio a tubos y sintonizaba clásicos de Chuck Berry y otros de los años 60 hasta que justo a las 9:00 de la noche comienza el recital mas esperado por muchos.

Roger Waters de un impecable negro, el hombre lucia relajado y sereno y pese a que su voz ciertamente no es la de antes se manejó impecable. Todo comenzó con el tema THE FLESH seguido de MOTHER, lo que desató el canto de todos en el estadio, luego vino el ya clásico homenaje a SYD BARRETT con el psicodélico tema SET THE CONTROL FOR THE HEART OF DE SUN, para luego rematar con el clásico SHINE ON YOUR CRAZY DIAMOND, el cual en mí provocó el momento mas emocionante de la noche. Luego cuando estaban interpretando el tema SHEEP apareció un cerdo rosado volando por el frente del escenario con rayados ebocando distintas realidades o recuerdos importantes como "VICTOR JARA NO CALLA, PUSH BUSH CONTRA LA MURALLA" (alusivo al muro que se construye contra México), EN DEMOCRACIA LA BASURA SALE A FLOTE y el mas espectacular y que representa todo mi sentir en contra del sistema actual es SOCIALISTAS AL SERVICIO DE LAS S.A.

Luego de esto vino un break necesario para refrescar las gargantas hacer un pito y tomarse alguna cerveza ingresada a la mala al estadio.

15 minutos y lo esperado, la segunda parte con los temas para mi el álbum favorito de PINK FLOYD el DARK SIDE OF DE MOON con todos sus clásicos todo esto adornado por un prisma que se colgo sobre el escenario que reflejaba un alo de luz y por el otro extremo un pisma de rayos laser realmente espectacular.

Al final demostrando lo sencillo que es Roger Waters presentó a un coro de niños de San Joaquin que interpretaron los coros del clásico del ANOTHER BRICK IN THE WALL, al final de este tema Roger Water se despidió de cada unos de los niños quienes deben haber tenido una experiencia increíble.

Otro momento notable para mí fue cuando interpretaron la canción COMFORTABLY NUMB, realmente logro hacerme emocionarme hasta las lágrimas. Este concierto para mi gusto fue mejor producido que el del 2002 el sonido impecable las imágenes sobre las pantallas gigantes alucinantes el concepto del recital las alusiones a Pinochet, Bush, Sadan, Stalin, Osama y toda la manga de tiranos que asolan a nuestro planeta le dieron un contexto político que me sorprendió…en definitiva como me dijo anoche un amigo ya puedo morir tranquilo lo he visto todo.

Manuel Pavez.

FUEGO ELÉCTRICO

2007-03-13T13:49:00.000-07:00

JIMI HENDRIX
: BLUES

Este DISCAZO fue editado luego de la muerte de Hendrix por su productor Alan Douglas, quien por muchos años tuvo los derechos sobre todas sus grabaciones hasta que la familia los recuperó hace algún tiempo y re editó todo el catálogo original del guitarrista. Aun así, esta compilación tuvo tanto éxito que se mantuvo dentro de las nuevas ediciones.

Las razones de ello saltan a los oídos al poner el disco a girar. Esta compilación rescata toda la vena blusera del, hasta hoy considerado, mejor guitarrista eléctrico de todos los tiempos. Y es un disco particular, pues la obra de Hendrix se caracterizó por estar más cercana al rock, la psicodelia y la experimentación. Sin embargo, sus raíces bluseras siempre estuvieron presentes, ya sea en vivo o en algún rincón de sus vanguardistas (para la época) discos.

Y allí radica el valor de esta placa, el FUEGO ELÉCTRICO del blues de Hendrix rinde tributo a composiciones clásicas de la música afroamericana -nacida según la tradición en los campos de esclavos- como la inmortal 'Mannish Boy', 'Born Under A Bad Sign', 'Bleeding Heart' o 'Catfish Blues'. Pero son las propias composiciones de Hendrix las que más destacan.

El disco abre con una versión acústica de 'Hear My Train a Comin'', y cierra con el mismo tema en formato eléctrico total. Luego tenemos dos de sus composiciones bluseras más famosas, 'Red House' y 'Voodoo Chile Blues', donde aflora todo el oscuro misticísmo de su estirpe. Por último también se destaca el sentido trágico del blues con temas como 'Once I Had A Woman'.

Once temas, once piezas del mejor blues eléctrico, en una joya de disco. El hermoso arte de la portada ya así lo adelanta, rindiendo honor a los viejos maestros en la figura de Jimi.

Para escucharlo: http://rapidshare.com/files/20857548/Blues.zip.html

LO MEJOR DEL 2006 (PARTE 1)

2006-12-05T11:48:00.000-08:00

Trivium: “The Crusade”

Autor del artículo: Zorlac

Al tratar de hacer un recuento medianamente objetivo de lo que nos dejó el 2006, en términos musicales, mi inconciente me traiciona y sólo atino a pronunciar un nombre: “The Crusade” de Trivium.

Sí, porque la banda de Florida nos demostró que el viejo y querido thrash estaba más vivo que nunca, que aunque estemos viviendo en pleno siglo XXI podemos volver a esos años gloriosos del “metal old school”. Y ojo, que no se trata de un revival trasnochado ni un tributo a viejas glorias pasadas (a lo Creedence Clearwater Revisited o The Doors). Nada de eso; la banda de Matt Heafy, Corey Belieau, Travis Smith y Paolo Gregoletto nos demuestra que pueden hacer un disco “a la ‘80s”, pero que suena moderno y sólido.

Esta obra maestra parte con un tándem espectacular: “Ignition” y “Detonation”, suenan thrasheras, agresivas, con una vocalización a medio camino entre James Hetfield y Chuck Billy. El doble bombo no para de machacar tu cabeza, en dos composiciones que parecen haber sido ensayadas 365 veces en un año antes de entrar a estudio.

“Entrance of the Conflagration” destaca por la armonía vocal trabajada por ambos guitarristas, y no hace más que pavimentar el camino para el siguiente golpe en pleno rostro: “Anthem (We are the Fire)”, en donde se dan el lujo de coquetear con sonidos más heavy clásicos, tipo Sid Row o Judas Priest. Sin duda, tal como lo señala su título, será uno de los himnos de esta década. No exagero al decir que me provocó la misma sensación que escuchar por primera vez el “Breaking the law” allá por mediados de los ’80.

“And sandness will sear” nos muestra una veta más oscura y pausada, quizás recordando al Paradise Lost del Draconian Times. El thrash vuelve como guía inspiradora en las excelentes “Becoming the dragon” (con una lírica bastante pobre, digámoslo) y “To the rats”.

Como broche de oro, el disco termina con “The Crusade”, un instrumental de más de 8 minutos de duración, en donde estos pendejos de Orlando nos demuestran que, a pesar de su corta edad, (el mayor no supera los 21 años), no se achican al momento de componer piezas épicas ejecutadas con una técnica instrumental realmente destacable.

En fin, detallar cada corte parece casi un ejercicio inútil. Quizás su apuesta no sea muy novedosa, quizás su adoración por Metallica sea muy evidente y los persiga por siempre. Pero sólo de una cosa tengo certeza: al momento de poner play, este disco te transportará 20 años atrás y volverás a sentir la energía y la rebeldía adolescente del thrash ochentero. Y eso, para alguien que ya superó la barrera de los 30…. es francamente impagable.

Ficha Técnica
Banda: Trivium
Título: “The Crusade”
Fecha de lanzamiento: 10/10/2006
Sello: Roadrunner records
Productor: Jason Suecoff

Bajar disco

ROCK Y ROMANCE BAJO LAS SOMBRAS DEL BLUES

2006-11-27T11:20:00.000-08:00

En el último tiempo y durante buena parte de él, me he dedicado a desempolvar aquellas viejas grabaciones de unas de las bandas de Hard Rock más calientes de la historia del género, me refiero a Whitesnake, una agrupación que si bien no es de las más populares, sin duda cuenta con una gran legión de incondicionales seguidores en todo el orbe convirtiéndola en melodías y palabras de culto.

Para los que conocen sólo aquellos discos rompe records que son el 1987 y Slip of the Tongue, trabajos de gran factura sin duda, es indispensable que sepan que existe una extensa historia detrás, que viene aproximadamente del año 1978 con placas inundadas con la pasión del blues y la suavidad del soul acercándose paso a paso al poder del rock que mostró a finales de los ochenta. En aquellas grabaciones el Sr. Coverdale se hizo acompañar de músicos de la talla de Micky Moody, John Lord, Ian Paice quien fue reemplazado por el gran Cozy Powell en 1982, entre otros. En esta época sacaron placas llenas de sexualidad, con esas letras cachondas de romances momentaneos, obsesiones y fantasías ocultas pero siempre con una insuperable dosis de amor, un ambiente conocido como ROCK AND LOVE que a estas alturas es casi un subgénero del Hard Rock patentado por David Coverdale como maestro y mentor.

Trouble, Lovehunter, Ready an' willing, Come an'get it, Saints & Sinners, Slide it in, conforman la seguidilla de discos que contienen estos temas bíblicos que hoy se plasman en un tremendo e inigualable trabajo en directo llamado Live In the Shadow of the Blues ¿un complemento del DVD Still of the Nigth? Diría que sí, pero con la diferencia que incluyeron varios temas que no están en el registro audiovisual privilegiando justamente aquella etapa blusera e introduciendo algunos cortes de los discos más conocidos que tampoco aparecen en el DVD, todo esto acompañado del aroma de los clásicos, por tanto para los amantes de la serpiente resulta ser un material de lujo que además nos acaricia con 4 temas nuevos de estudios que ponen a los Santos y Pecadores nuevamente en la cima del rocanrol.

Mención aparte merece la banda que Coverdale conformó para esta etapa. Sin duda a equivocarme es lejos la más sólida que ha tenido y en vivo resulta una verdadera máquina. Grande fue mi sorpresa al enterarme que la alineación no era la misma del DVD y parece que Coverdale se empeña en las variaciones con sus músicos, y a diferencia de lo que vemos en la tele - cerveza en mano y disfrutando con nuestra chica - en vez de Marco Mendoza, ahora el bajo es ejecutado por Uriah Duffy que recientemente había deslizado sus dedos en Scorpions. De esta manera la serpiente blanca se arrastra por las sábanas de su rock and roll con Doug Aldrich (ex-Bad Moon Rising y Dio) y Reb Beach (ex-Winger y Dokken) en guitarras, el tremendo Tommy Aldridge en batería, Uriah Duffy en bajo y Timothy Drury en teclados. Aldrich y Beach hacen un dupla de guitarras impresionante, músicos seguramente elegidos por su grandeza interpretativa y además por la sobriedad sobre las tablas, cosa que tanto gusta al Lovehunter para mantener su protagonismo escénico. Todos de la mano con el poderío de un bajo y batería demoledor.

Sin duda es una placa dulcemente satisfactoria para los fanáticos del romance rocanrolero de Whitesnake y para aquellos que recién lo saborean. Un paseo que acaricia 28 años de Rock and Love ilimitado con músicos de excepción, con un sonido de lujo y con el mejor frontman en vida de la historia del Hard Rock dando cuenta de aquella vieja frase que alguna vez Ac/Dc tiró al mundo "It´s a Long Way to the top if you wanna rock and Roll"... Whistesnake ya lo recorrió y llegó a la cima hace rato pero nunca se cansa de gritar al mundo HERE I GO AGAIN BABY...que esta noche te daré un poco de amor.

Live in the shadow of Blues

Disco 1:

1. Bad Boys 2. Slide It In 3. Slow An' Easy 4. Love Ain't No Stranger 5. Judgement Day 6. Is This Love 7. Blues For Mylene 8. Snake Dance 9. Crying In The Rain 10. Ain't No Love In The Heart Of The City 11. Fool For Your Loving 12. Here I Go Again 13. Still Of The Night

Disco 2:

1. Burn Stormbringer Burn 2. Give Me All Your Love Tonight 3. Walking In The Shadow Of The Blues 4. Deeper The Love 5. Ready An' Willing 6. Don't Break My Heart Again 7. Take Me With You 8. Ready To Rock 9. If You Want Me (I'll Come Running) 10. All I Want Is You 11. Dog. (estudio).

Para bajar

Live in the shadow of the blues parte 1.

Live in the shadow of the blues parte 2

4 temas nuevos en estudio

ALTO VOLTAJE SUENA A CLASICO........

2006-11-27T09:10:00.000-08:00

Lejos lo vivido el sábado 25 en la sala scd fue unos de los mejores lanzamientos de una banda de Heavy Metal, por no decir el mejor, al que he asistido en mucho tiempo, con la sala casi llena y un profesionalismo nunca antes visto por estas tierras de metal.

La puesta en escena comienza con una propuesta audiovisual, mostrando la historia desde sus orígenes tocando en un una sala comunal de El Bosque hasta su tocata junto a Tierra Santa en la cúpula chica del parque O‘ Higgins.

Luego vino la presentación de su álbum Historia de mi vida hasta mi muerte un álbum conceptual dedicado a la memoria del padre del vocalista (Víctor Escobar) donde se describe en forma de canción la vida de esta persona y su lucha por sobrevivir y dejar un legado para sus hijos. Al escuchar este álbum me recuerda mucho la temática de Barón Rojo por lo comprometida y la profundidad de estas, además de tener un aire medio punk en la actitud que le da un una fuerza en la interpretación y eso hace que sin lugar a dudas sea la banda de heavy metal chileno que mejor ha logrado un álbum en español con letras fuertes comprometidas y maduras donde ya no se le canta a hadas ni sueños de rock si no mas bien a la vida de una persona común y corriente y como esa vida se reflejó e inspiró a un hijo para hacer heavy metal.

El lanzamiento comenzó con el intro (Nacimiento) y luego el tema historia un tema de una temática fuerte donde se expresan los sentimientos de rabia y frustración por el abandono de los padres realmente una letra fuerte acompañado de una instrumentalizacion acorde al tema.
Luego viene una especia de power balada llamada Holocausto que esta muy bien lograda en lo musical con buenos solos y una muy buena coordinación entre los dos guitarristas. Tema llamado a hacer unos de los clásicos de la banda.

En cuarto orden el tema chacal para mi gusto el mas débil del álbum. Luego el tamazo Rock y Burdel del cual ya tiene un video clip un temon y a esta alturas un clásico de la banda
A continuación el tema La Ciudad el cual describe la vida de esta persona en plenos años 70 antes de la dictadura y su pronta instauración. Para seguir con El Desaparecido tematica que por primera vez toca una banda de Heavy Metal, bien logrado ya que por lo general estos temas son tocados por bandas punk o pop pero ya era hora que una banda de metal se encargara de tocar este tema de una forma tan magistral.

Luego fue el turno de Adiós a la Fabrica el cual describe la desesperación por no tener trabajo, un tema que a los que tenemos mas de 30 años nos a tocado mas de una vez un temon….

Es en esta parte donde me quiero detener. Acá la banda saco a relucir una parte que yo no les conocía la teatralizacion de una puesta en escena donde se robó la película el vocalista Víctor Escobar(Bicholo) tocaron el tema Un Cigarro y un Café, una gran canción por donde se les mire, un tema que esta llamado a ser un clásico dentro del metal nacional por lo profundo de su letra y lo bien logrado de su música, el vocalista mostró todos sus atributos de actor interpretando el tema de forma increíble junto a un violín un chelo y la guitarra acústica del señor Cristian Flores y el señor Víctor Escobar sentado frente a una mesa fumando y tomando un café.

Después pegado tocaron un tema acústico llamado acaros un buen tema, para contnuar con Agonía otro teamazo donde nuevamente El señor Víctor Escobar se mandó una teatralizacion del tema. Increíble versión.

Y terminaron con Fin del Dolor una tremenda canción una power balada con una letra que en lo personal me llega mucho.

Al terminar la presentación todos los asistentes se levantaron a aplaudir a estos músicos que realmente se ve que se la jugaron por mostrar un trabajo profesional mis sinceras felicitaciones y sigan así ya que están llamados a ser una banda de culto en chile y eso solo depende de ustedes.

De los músicos podemos decir que cuentan con un par de guitarristas sólidos que sin ser increíblemente virtuosos sí se nota que se manejan bien con los instrumentos, el bajista sólido con buena puesta en escena nada que decir, por su parte el vocalista tiene buena presencia en escena y fuerza interpretativa. El batero es el punto mas débil de la banda, si bien cumple con lo justo y con esfuerzo aun así se nota las deficiencias técnicas que tiene

Como nota aparte hay que felicitar a la producción del evento realmente muy buena en lo que mas me llamó la atención fue la venta de poleras póster y lo más importante el Álbum antes que empezara la tocata y después de esta eso deberían imitar otras bandas.

Yo me pregunto cuantos compraron el disco, quizá unas 50 personas de esas 50 la próxima vez que los vean en vivo se sabrán las letras y las cantaran así se hace conocida una banda cuando el publico compra los disco….

Alto Voltaje es:

Víctor Escobar voz

Ery López bajo y coros

Cristian flores guitarra

Mauro Carrizo guitarra

Pedro Muñoz batería

Saludos y sigan así ALTO VOLTAJE…….

Para los que no conocen la banda hay mp3 en la pagina oficial del grupo para bajar..

para que conoscan la banda ahi va un video
titulado ROCK Y BURDEL

http://www.youtube.com/watch?v=hYKZzLEpQZk

ademas pueden visitar

http://www.altovoltaje.cl/
http://www.myspace.com/bandaltovoltaje
http://www.fotolog.com/alto___voltaje

2006-10-11T13:02:00.000-07:00

VOLVIENDO A LAS CALLES POR UN POCO DE ROCANROL

Recuerdo que hace algunos años, en una calurosa tarde santiaguina y con un par de chelas heladas en un tugurio del centro, entrevisté para una revista metalera electrónica al vocalista Fredy Alexis. En ese entonces el mundillo rockero local aun se tambaleaba con su alejamiento de Inquisicion, sin embargo el no se había quedado de brazos cruzados y junto a excelentes músicos parían la primera placa de su nueva banda llamada Witchblade, golpeando la mesa con un Power Metal de buena factura. De esa forma comenzaba a abrirse paso por la carretera que ya varios conocemos muy bien lo que depara. Han pasado algunas temporadas y este 2006 lanzaron el larga duración MMVI, una placa de 12 temas llenos de heavy/rock directo, potente y con un sonido buenísimo. Una excelente producción nacional sin duda alguna.

El disco se introduce con War is Coming, un notable comienzo que me recuerda a Lord of the Ring (o conociendo a algunos integrantes de esta banda diría que Lord of the RON) para dar paso a la potente Metalizer, un corte heavy metalero muy de la vieja escuela, potente, con una batería que patea cabezas y un riff demoledor que se complementa con un segundo solo de guitarra de aquellos. Gran tema para dejar establecido que Witchblade viene con una propuesta diferente a lo que había mostrado, a mi parecer mucho mejor porque si algo falta en Chile son bandas que cultiven el Heavy Metal clásico, el de bolas, tachas y cueros, y creo que en ese aspecto sólo podría rescatar bandas como Raining, Inquisición, Battlerage y ahora Witchblade. Pero bueno, ese es análisis para otra ocasión.

Old Gods in a new cosmos, se viene sin aviso con un cautivante riff en que bajo, batería y guitarras se unen para dar vida a uno de los temas mejores logrados. La interpretación vocal es mejor que en la canción anterior y los coros tienen líneas melódicas que contrastan la agresividad de la base rítmica. Además nos regala un sólo de batería que lleva directo a un quiebre rítmico de la puta madre que sirve de base para el soleo de las guitarras que definitivamente se lucen. Temón por donde se escuche.

The Statement, es un corte de poco más de dos minutos lleno de poder, me recuerda mucho a ciertos trabajos de Megadeth tipo Rust in Piece, insisto, es un disco lleno de influencias clásicas, de la vieja y querida escuela ochentera.

A contar del quinto tema, entra en una etapa algo más tranquila, el tema Back on the Streets es la antesala a esta metamorfosis que nos pasea a través de caminos mas rocanroleros, una composición en que el baterista y las guitarras con sus solos de mil dedos se roban el protagonismo. En términos de percusión la composición está llena de detalles, adornos y un derroche de técnica que no da lugar a dudas de ningún tipo, ya podemos asegurar que estamos ante un gran disco de rocanrol. Y como tal no pude faltar aquella balada, pensada para gozar con la lola de turno y decirle palabras de amor bajo la luna y una botella de tinto al mas puro estilo coverdeliano con el único fin que todos sabemos…que nos abran las puertas del cielo. Para ello, este Cd nos regala Lone Star, una canción llena de hermosos arreglos basados en piano y violín.

El rocanroleo tiene su apogeo con On the Road, ¿hay acaso un título que refleje mejor el espíritu del rock? En la carretera, el eterno destino, aquella postal del rockero caminando por la ruta con su guitarra al hombro, lo cual se plasma con frases como “Im on the road ready to win…Side by side, racing hard whithout fear” sencillo y directo.

Luego a cabecear con Surround In Your Space para dar paso a otra balada llamada The Heat Of Our Love, tema que en rigor no me cautivó mucho, pero en ningún caso sobra en esta producción.

Manu Tara continúa la seguidilla de temas notables, con una tremenda actuación del bajo y una base bastante power metal, mención a parte merece la letra, creo que junto a On the road son las mejores trabajadas y la historia es entretenida y original. A decir verdad en materia de “pluma” no encuentro muy interesante el trabajo de la banda, quizá en ese aspecto podría criticar a una agrupación que musicalmente alcanzó una madurez notable pero que, desde mi tribuna, veo que no va de la mano con la composición lírica.

Para concluir, Hot Staff, notable tema Hard Rock, coveriado de la tremenda Donna Summer, "la idea de hacerlo fue rememorar esas canciones viejas que escuchabamos inconcientemente en la radio cuando pendejos..." contó en alguna oportunidad Vuletich, bajista de la banda. Temazo que cuenta con coros pegajosos hechos para vacilar, levantar las copas llenas de cerveza helada y espumosa gritando ¡ROCANROL HASTA LA MUERTE, MIERDA!

Witchblade es:

Felipe Vuletich Bajo y Voz
Juan Pablo Hermosilla, Batería y Voz.
Fredy Alexis, Voz.
Matías Vidal, Guitarra y Voz.
Claudio Aguayo - Guitarra.

Para bajar el disco (contamos con permiso de la banda para ceder este link)

MMVI

Discos Indispensables III

2006-09-27T15:37:00.000-07:00

RIDE HARD, RIDE FREE

Comenzando los años noventa, la escena Heavy Metal más pura se veía algo disminuida cuando MTV irrumpía con fuerza sacando al aire grupos de juguete, modas pasajeras y considerando además que ya había pasado un par de años en que las bandas emblemáticas del género no lanzaban nuevo material que nos remeciera el cogote como solía ser. Sin embargo, cuando la preocupación se respiraba en el ambiente, los reyes del cuero y el metal, de la tacha y el acero, el icono del Heavy Metal en su más pura expresión, Judas Priest, nos azota en 1990 con el tremendo disco llamado Painkiller, su trabajo número 15 entre estudios y registros en directo, lanzado por Columbia y bajo la producción de Chris Tsangarides.

El Sacerdote Judas venía rengueando y aún golpeado de las duras críticas que habían recibido sus dos discos anteriores – Turbo y Ram it Down (discazo por cierto)- sin embargo, regresaban dispuestos a retomar el sitial que en algún momento se vio amenazado por una mala racha que a cualquier grande se le puede atribuir. De esta manera la dupla de 6 cuerdas Tipton - Downing, el bajo de Hill y la voz de Halford entraron al estudio reclutando a quien sería el gran acierto y sin duda el responsable del nuevo sonido de Priest, el baterista Scott Travis, un animal, una verdadera máquina tras los tarros.

Siempre he dicho que cuando un baterista entra a un grupo este debe ser presentado como corresponde, mostrando desde el primer segundo aquello que los fans pueden esperar. Y esta no fue la excepción, apenas pones play una ráfaga de redobles, dobles bombos y platillos entran directo al cerebro diciendo te voy a moler la cabeza durante los próximos 46 minutos. Todo esto acompañado del demoledor sonido de las guitarras que nunca antes habían tenido. Así el primer corte, Painkiller, que le da el nombre al disco, deja claro que otra vez Judas daba un paso más que sus contemporáneos extendiendo el límite de una corriente que sigue manteniendo la esencia de sus raíces.

Sin dar respiro, de inmediato nos contraatacan con Hell Patrol, mi tema favorito en esta placa. Travis sigue mostrando toda su solidez y manejo técnico donde la sencillez de la base de caja y doble bombo entregan el peso suficiente para que las guitarras acompañen de manera perfecta la interpretación fantástica de Halford. El bajo, como siempre sucede en los discos de esta banda tiene un perfil menor pero por eso no menos importante, cosa que no sucede en vivo, donde el poder y peso de Judas pasa justamente por la férrea pared que impone Ian Hill en las 4 cuerdas. “Terrorize you, Pulverize you, Gonna cut to the bone as you groan and they'll paratamize you”…el mensaje es claro y preciso.

No hay lugar a interpretaciones, apenas 7 minutos fueron suficientes para afirmar que Painkiller es la gran placa de aquel año, no cabe duda que Judas Priest sigue marcando pauta después de casi 20 años de carrera en ese entonces con muchos clásicos y grandes trabajos a sus espaldas. Y simplemente no dieron tregua, la seguidilla de temas diabólicamente elegantes y destructores no se detienen ante nada, dejando el eco del choque de metales en el aire como fuertes estruendos de magnificencia. All Guns Blazing y Leather Rebel son el puente perfecto para el ataque frontal de Metal Meltdown. “Here comes the Metal Meltdown, Run for your lives, Can't stop the Metal Meltdown No-one survives”. Esa es la consigna, un disco sólo para iniciados, para quienes llevan el cuero y el metal, la tacha y el acero en las venas y el corazón.

Luego viene lo que para mi es una segunda parte, con melodías más “tranquilas” pero sin dejar de aplastar. De esta manera podemos distinguir a la gran Night Crawler, con una magistral interpretación de Mr. Halford nos indica que todo se dirige derecho al infierno, mejor no mirar hacia atrás y simplemente tener cuidado con la bestia que seguirá amenazando durante 4 temas más. Este corte tiene sin duda dos notables características, la primera es la interpretación vocal que entrega una atmósfera aterradora la cual está acompañada de juegos de guitarra y cambios de ritmo que no hacen más que armar un escenario infernal en un tema que no es precisamente violento ni rápido, pero que entrega los elemento necesarios para convertirse en un clásico del metal.

Siguiendo en la misma línea melódica viene la inquietantemente titulada Between The Hammer & The Anvil, simplemente imaginarse estar en esa situación grafica lo que el disco nos da. Todo el armamento de guitarras es espectacular, sendos solos de Downing y Tipton no hacen más que confirmar porque es considerada una de las duplas más sólidas en la historia del Heavy. Una oda a la técnica de las 6 cuerdas.

El disco continúa con Touch Of Evil, Battle Hymn y One Shot At Glory, cerrando de manera magistral, gloriosa y con elegantes toques de maldad un trabajo que fue la pauta para las grabaciones heavy metaleras de la vieja escuela en la década pasada. No cabe duda que Priest encontró la formación perfecta para entrar como los reyes que son y gritar al mundo que el Heavy Metal jamás se vería vapuleado por la presencia de banditas de juguete, seudo depresivas catapultadas por la pantalla chica. El Sacerdote es una escuela y su palabra es ley lo cual quedó impregnado en 1990 con Painkiller. Judas habló fuerte y golpeado…palabra que es verdad.

Temas a bajar

1.- Painkiller

2.- Hell Patrol

3.- Metal Meltdown

4.- Nigth Crowler

Slayer en Chile - Septiembre 2006

2006-09-14T13:54:00.000-07:00

Viernes 8 de septiembre 5:30 a punto de retirarme y me llega trabajo de última hora. La adrenalina sube, mis manos transpiran y en lo único que pienso es irme luego a cambiarme ropa y juntarme con los amigotes en Pedro de Valdivia con Grecia. Recién a las a las 5:45 logro sacarme el cacho y salgo raudo al metro, el tiempo corre y la expectación crece minuto a minuto…llego a mi depto. me pongo mis jeans regalones mi polera nueva tres cuartos mi jockey y salgo en un taxi rumbo al nacional.

Esta noche toca Slayer por primera vez en chile la formación clásica, Tomás Enrique Araya , Dave Lombardo, King y Hanneman me junto, como es clásico, en una choperia , al llegar noto de inmediato que esto se ve como un lleno completo las calles llenas de jóvenes y algunos no tanto vestidos de negro. Luego de su merecida y refrescante cerveza me dirijo junto a unos amigos al velódromo del nacional son las 8:50 y estoy en boletería logro pasar sin problemas y llego a la cancha. Lo que más me llamó la atención al entrar fue ver el lleno casi completo del recinto sólo comparable con el lleno que provoco AC/DC en su momento, en las galerías se ven barristas alentando en vez de su equipo a Slayer, los ánimos y la expectación sube hasta que alrededor de las 9:10 sale a escena la banda norteamericana….el público salta y vibra yo mismo no la puedo creer debo reconocer que hacia mucho tiempo que un recital no me provocaba tanta expectación como este, las bengalas se ven en medio de una cancha casi asfixiante y comienzan los primeros acordes de ‘Darkness of christ’ seguida de ‘Disciple’ del “God Hates Us All” comienzan a liquidar mis neuronas todos comienzan a saltar …el infierno se ha desatado… a medida que siguen los temas noto que el sonido no es de lo mejor muy bajo la batería no luce en su esplendor y la guitarra de King se pierde. En el tercer tema el sonido mejora notablemente, mientras siguen las canciones pienso en la contundencia de esta banda de verdad hay que decir que se nota el aporte de Dave Lombardo, es el verdadero motor y alma de esta banda. Termina un tema y Tom Araya mira al público en silencio sin hablar, la gente grita shiiileno shiiileno, a los pies de la batería hay una bandera chilena con las letras de Slayer.

Suena el tema Cult del “Christ illusion, gran álbum que fue uno de los gatillantes a que yo asistiera por tercera vez a ver a slayer, luego de este tema el velódromo se vino abajo con el siguiente set list ‘Silent Scream’, ‘Mandatory Suicide’, ‘Seasons In The Abyss’, ‘Chemical Warfare’, ‘Dead Skin Mask’, ‘Postmortem’ y ‘Hell Awaits’ entremedio de esos temas, a unos metros cae una bengala encendida cerca mío, no importa no pesco esta noche nada mi distrae mi atención si no es la música…en galería a lo lejos un individuo en un acto de exhibicionismo y locura se desnuda y salta con la cara tapada bajo las gritos y burlas de la galería.

Pero todavía quedaba lo mejor el remate el gran final de esta masacre, el infierno nos tenía reservado su macabro final…suenan los acordes de Reign in Blood las 12.000 personas estallan en una catarsis de locura pero esto no queda ahí. El final llegó con ‘South Of Heaven’ y como no podía ser de otra forma, seguida por ‘Angel Of Death con un lombardo inspirado tocando el tema mas rápido y con un solo de doble bombo haciéndonos creer que estamos en un campo de exterminio, como dice la letra de la canción, al final saca aplausos del respetable que ya a esa hora estaba en el 5to infierno. En resumidas cuentas lo mejor que he visto este año.

11:00 busco desesperadamente una botillería la encuentro me compro una cerveza austral en lata me fumo un cigarro. Mi meta mi fin, el bar de Rene carrete hasta que amanezca…pero esa es otra historia.

AUTOR: MANUEL PAVEZ

1993, El año que el death metal nos sorprendio a todos

2006-08-29T14:10:00.000-07:00

En la década de los noventa se desarrollo una forma de ver el metal completamente distinta a lo que se hacia en los 80, un estilo que dejaba de lado su sonido y lo llevaba a su forma mas oscura. Fue así como tres bandas que partieron a fines de esa década fueron desarrollando un estilo y una forma de ejecutarlo de manera muy propia y particular con temáticas completamente distintas unas de otras, es así como Morbid Angel, Carcass y Death en 1993 logran sacar lo que para mi significó una revolución dentro del death metal, estilo que ya por esos años estaba bastante desarrollado.

Estas tres bandas llevaron dicho estilo aun nivel técnico que en esos años se desconocía, logrando un sonido único haciendo que la brutalidad de sus composiciones fueran denominadas como un death metal de avanzada. Fue tal el fervor y el revuelo que causaron estas bandas que surgieron una serie de mitos acerca de ellos. Como por ejemplo que Richard Brunelle guitarrista de Morbid Angel había sido expulsado de la banda por que lo habían pillado asistiendo a misa, que los músicos de Carcass eran médicos forenses y que el vocalista y guitarrista de Death Chuck Schuldiner mataba a todos sus integrantes y por eso cambiaba de formación en todos sus discos.

1993 fue año en el que salieron tres grandes discos y piezas fundamentales para lo que será el desarrollo del death metal mundial, Morbid Angel nos sorprendía con Covenant, Carcass con Heartwork y Death con Individual Thought Patterns .

Death con Gene Hoglan (batería) de Dark Angel , Andy LaRoque (King Diamond) y Steve DiGiorgio son los realizadores de este tremendo álbum. El vídeo clip: The Philosopher junto a esta formación de lujo hacía que este disco fuese diferente, aportaba nuevas ideas dando frescura en sonido y gran tecnicismo por parte de sus músicos. Con letras con un alto contenido intelectual y social.

En tanto Morbid Angel con su disco Covenant fue la primera banda de Death Metal que firmaba con una discográfica importante, con letras oscuras y apocalípticas esta mítica banda, en esa época convertida en trío, nos demostraba con toda su furia y técnica que iban a convertirse tarde o temprano en los reyes indiscutidos del death metal, Covenant es un disco que comienza de una manera muy brutal con su tema Rapture y termina de manera muy oscura con God of Emptiness un disco que sin lugar a dudas marcó lo que sería la pauta para el sonido del death metal estadounidense.

Por su parte Carcass con la salida al mercado de Heartwork el sonido de la banda evoluciona hacia un aspecto algo más comercial, con fuertes influencias de Kreator y en general el thrash europeo. Sin caer en la copia esta banda consigue mantener el nivel de agresión pero ahora unido a estribillos pegadizos, incluso coreables pero con un feeling poco visto en el estilo, con solos que casi nos recordaban el heavy metal. Esta banda fue la que mas giró su sonido ya que partieron haciendo un grindcore brutal y extremo hasta llegar a un sonido por llamarlo de alguna forma "mas pegajoso". Carcass se convirtió en la banda pilar de lo que seria el sonido del death metal europeo marcando la pauta musical y mostrando una gran desarrollo en lo técnico.

1993 fue un gran año para del death metal, un año en donde se marcó un cambio en la ejecución y el desarrollo de las bandas dando paso al tecnicismo brutal, un año en el que todo el mundo hablaba de la "evolución" a través de zines o folletos que circulaban en las tiendas del paseo las palmas y que con el paso de los años se convirtió en una año de culto para lo que seria el metal actual.

Ahí les dejo los links para poder descargar los discos.

http://rapidshare.de/files/17085968/morbid_angel_-_covenant.zip.html

http://rapidshare.de/files/24493262/Carcass_-_1993_-_Heartwork_gym_-_rf47.rar

http://rapidshare.de/files/19533641/07-Individual_Thought_Patterns_1993.rar

Discos Indispensables II

2006-08-24T13:15:00.000-07:00

En las lejanías del año 1968, cuando Jimmy Page dejaba a los bluseros The Yarbirds, banda en la que también participaron Eric Clapton y Jeff Beck, comenzaba a forjarse una de las grandes leyendas de la música popular, uno de los pilares del Hard Rock y del Heavy Metal en su más pura expresión. En esos instantes, en medio del vértigo y la locura Hippie comenzaban a reunirse John Paul Jones, Robert Plant, John Bonham y el mismísimo Page pariendo nada más y nada menos que a Led Zeppelin.

Aún haciendo gala a las influencias marcadamente bluseras, los primeros trabajos de Zepp se llevaron a cabo dentro de ese contexto definiendo calaramente cual sería la tónica en la primera parte de su carrera. Sobre todo en el debut de Led Zeppelin I con temas como Babe i'm gonna leave you, el cachondón temazo You shook me y I can't quit you baby, todos con letras claramente post adolescentes pero adornadas con la exquisita candencia del blues. En Led Zeppelin II la cosa se puso algo más ruda y con un sonido que comenzó a mostrar la veta rocanrolera de la banda, temas como Whole lotta love y Heartbreaker entregan los argumentos necesarios sin olvidar, por cierto, la grandelocuecia que Moby Dick regala mostrando a quien sería un verdadero suceso dentro de la banda, John Bonham.

Haciendo un pequeño recorrido por Led Zepplin III encontramos el que para mi es el primer gran clásico de la banda, Inmigrant Song, temón que patea cabezas apenas pones play en tu equipo. Un repaso por el blues de Since I´ve been loving you y llegamos a 1971 para deleitarnos con Led Zeppelin IV, un disco cargado de clásicos, quizá el más influyente de la historia de la banda, a través del cual lanzan al mundo temas como Rock and Roll, Black Dog y Starway to Heaven, todas canciones con el rótulo de inmortales.

En 1973, entregan un gran disco llamado House of the Holy, en esta época se generaban los primeros vientos de cambios en la forma de hacer música en la banda. Claramente evocando nuevas influencias y sonidos se convirtió en el puente perfecto para lo que en dos años más sería la muestra de madurez del grupo. No obstante, House of the Holy junto a Led Zeppelin IV merecen espacio a parte, y en particular el disco del 73 creo que debería ser analizado y comentado por uno de mis colegas de este blog quien lo tiene como Indispensable dentro de su colección.

En 1974 Led Zeppelin da vida a su propio sello discográfico, momento crucial en la historia del cuarteto, conviertiéndose como debut de la nueva empresa el fabuloso disco doble Physical Graffiti, de 1975, una placa considerada hasta hoy como uno de las mejores de la banda y en lo personal como el Indispensable II de mi colección.

Saliéndose de los cánones más rígidos del rock and roll, Zepp mostró sin temor alguno las nuevas influencias que marcaron la creación de tan monumental disco. 15 cortes componen esta joya, que denotan una evolución artística en todo sentido, desde la ejecución de cada uno de sus instrumentos - incluyendo la forma de cantar y uso de la voz de Robert Plant- influencias, sonido de cada ejecución y calidad en el resultado final de la grabación propiamente tal.

Custar Pie y The Rover, dan inicio al viaje del zeppelin británico, dos temas de melodías pegajosas, de bases rítmicas sutiles que acompañan y dan sustento a las primeros escapes de las 6 cuerdas de Page. Con líricas si bien mejor trabajadas que en años anteriores, no difieren mucho en cuanto a temáticas, pero siempre en esa línea sensualota, cachondona, insinunte y acalorada, dirigiendo el curso perfecto de la combinación letra y música.

A continuación el primer corte que nos dice "se viene algo monumental" In my time of Dying - tema original de Blind Willie Johnson y grabado en los años 30 por Josh White, y en 1962 por el eterno Bob Dylan en su álbum debut - nos entrega un grito desesperado en los últimos momentos de vida, son 10 minutos de una trágica súplica por levantarse y seguir en el camino de la vida, frases como "Jesus, gonna make up my dyin' bed. Meet me, Jesus, meet me. Meet me in the middle of the air If my wings should fail me, Lord. Please meet me with another pair" sólo reflejan la desesperación y angustia y por oro lado nos entrega una nueva forma de hacer letras, ocupando elementos casi psicodélicos y extraterrenales que comenzaron en el disco anterior. "Hear the angels marchin', hear the' marchin', hear them marchin', hear them marchin', the' marchin' Oh my Jesus...Oh, don't you make it my dyin', dyin', dyin'...cough" dan final al angustiado rezo en las puertas de la muerte. Además, es destacable la soberbia actuación de John Bonham en la percusión, denotando que a esas alturas era el gran baterista de la escena rocanrolera, mostrando porque se le comenzaba a considerar un músico que cambiaría la manera de tocar los tarros.

House of the Holy es el corte siguiente, canción que por cierto no se incluye en el disco homónimo, una extraña mezcla lírica entre la lucha del hombre con satanás, una apología al poder de la música mezclada por elementos difusos en cuanto a constitución de frases y significados se complementan con una melodía bastante pareja, agradable, donde destaca el trabajo de Page en la guitarra, con arreglos y detalles sutiles que a mi juicio se acerca bastante a una composición mas popera argumentando de esta manera las variadas influencias que dan vida a este disco.

Luego de esto comienza el verdadero vértigo, el camino al climax, a continuación uno de mis temas favoritos, Trampled under Foot, una canción potente, fuerte, de ritmo candente y poderoso, más rápida y que las anteriores, la hermosa mixtura bajo - guitarra da pie para la entrada de la batería y la impecable voz de Plant para comenzar el coqueteo infernal del amor y el poder de la seducción, claras aluciones a las estimulaciones sexuales con metáforas mecánicas reflejadas en frases como "Greased and slicked down body, groovy leather trim I like the way you hold the road, mama, it ain't no sin" "Baby, I could work all night, believe I've got the perfect tools". Maravillosa manera de ofrecer amor sólo como un rocarolero lo sabe entregar.

Complementando esta invitación viene la sección mas hot del disco que hace que el Physical sea de aquellos trabajos dignos para acompañar jornadas de amor sexual. El exquisito Kashmir, con una rítmica única e irrepetible, con la solidez de una base de batería envidiable, con sutiles cambios de ritmo que intesifican la fuerza interpretativa de los instrumentistas dirigidos por John Paul Jones en un teclado impecable.

In the Ligth, continúa esta zaga de melodías celestiales, hechas para amar. Maravillosa de principio a fin, debe tener una de las interpretaciones mas sexy que un cantante masculino haya ofrecido hasta entonces. Ambos temas tienen letras complejas, dificiles de interpretar. Sin duda estos cortes manifiestan el climax del disco para dar paso a una segunda parte de excelencia con temazos como Down by the seaside, algo medianamente blusero en Ten years gone para romper toda esa candencia que traía el disco con el entretenido ritmo de Night Flight pero con una letra más bien trágica para pasar al rocanroleo de The Wanton Song que nos regala la exquisita frase "With blazing eyes you see my trembling hand. When we know the time has come Lose my senses, lose command Feel your healing rivers run".

Así nos vamos acercando al final del disco con composiciones absolutamente disímiles a las anteriores, demostrando - insisto - la gran variedad e inspiración creativa en la que se encontraba la banda en aquella época. Rock And Roll, Soul, celta, música india, árabe, folk y country son las melodías que a simple oído podemos identificar en esta creación magnífica, composiciones que fueron presentadas a los fans en una gran gira mundial cuyas actuaciones en directo fueron apoteósicas y multitudinarias, las cuales se interrumpieron ese mismo año cuando Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la Isla de Rodas, que fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año.

Una gran obra que pasó a la historia de la música en manos de la mejor banda de rock and roll que ha existido y existirá, la única capaz de seguir viva a pesar de apagar los motores en los comienzos de los 80. Hasta la fecha, se han vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 109 millones de ventas sólo en EE.UU. Led Zeppelin es la banda con más discos de diamante de la historia de la música, junto a los Beatles. Los discos que nutren esta selecta vitrina son Box Set (10 millones), Led Zeppelin II (12 millones), L.Z IV (22 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Physical Gafitti (15 millones).

El camino de la excelencia acabó el 25 de Septiembre de 1980 cuando, por culpa del maldito Vodka, John Henry (Bonzo) Bonham muere a los 32 años y la banda en vez de buscar reemplazante decide no seguir pues tenía la convicción que nada sería igual sin que arriba del escenario estuviran los 4 hermanos reunidos como lo habían hecho los últimos 12 años.

Ficha:
Jimmy Page - Guitarra Acoustic y eléctrica.
Robert Plant - Harmonica, Voz
John Paul Jones - Bajo, teclado y melotron.
John Bonham - Batería.
Peter Grant - Productor ejecutivo.
Ian Stewart -Invitado en Piano.

Disco:
Custard Pie" (Page/Plant)
"The Rover" (Page/Plant)
"In My Time of Dying" (Page/Plant/Jones/Bonham)
"Houses of the Holy" (Page/Plant)
"Trampled under foot" (Page/Plant/Jones)
"Kashmir" (Page/Plant/Bonham)
"In the Light" (Page/Plant/Jones)
"Brin -Yr-Aur" (Page)
"Down by the Seaside" (Page/Plant)
"Tean Years Gone" (Page/Plant)
"Night Flight" (Jones/Page/Plant)
"The Wanton Song" (Page/Plant)
"Boogie with Stu" (Bonham/Jones/Page/Plant/Stewar/Valens)
"Black Country Woman" (Page/Plant)
"Sick Again" (Page/Plant)

Temas para Bajar:

Trampled Under Foot

Kashmir

In The light

Discos Indispensables I

2006-08-22T15:05:00.000-07:00

Seguramente cada uno elabora una lista personal de aquellos discos que necesariamente tienen que estar en la colección. Sin importar el grado de admiración o fanatismo por una banda siempre existen placas que por si solas su presencia en la torre de los Cds, cajón de los caset o guarida de los vinilos se convierte en un deber. Incluso si vamos más lejos, ni siquiera es importante si es original, grabado, conseguido, de cuneta o ese que nunca le devolviste a alguna chica con la cual la ruptura no fue de las mejores ¡que importa como! ¡lo tengo y eso basta!

En mi caso existen todas esas alternativas y curiosamente dentro de esas placas favoritas, indispensables, la mayoría no son originales y es una deuda que debo pagar a mi mismo cuanto antes. En esta seguidilla de artículos denominada Discos Indispensables voy a comentar aquellos trabajos de bandas disímiles tanto en épocas como en historia, diferentes en mi admiración por sus carreras y por el discurso de principios que cada una profesa, sin embargo el punto principal es la obra en particular, el disco en cuestión, el álbum que es escuchado una y otra vez que invariablemente evoca sensaciones de profundo agrado y satisfacción a cuanto sentido se estimule con sus melodías.

Pensado cronológicamente, el primer trabajo es de Pink Floyd y se llama Dark Side of the Moon, editado el 24 de Marzo de 1973, un año en que el mundo se nutrió de muchos sucesos socio políticos en diferentes latitudes y que por otra parte vio nacer esta obra que hasta el día de hoy es referente para cualquier músico.

Perturbadoras risas masculinas y lamentos femeninos dan comienzo a Speak to me, un pequeño corte que entrelaza las primeras emociones para dar paso a melodías suaves, bellas, listas para el despegue hacia un viaje sin final, sin destino, al extraño mundo de Pink Floyd. Un periplo que alcanza la velocidad crucero en Breathe in the Air, pasaje en el cual la calma se confunde con la atmósfera de una loca carrera sintetizada en On the Run. Momento inédito en el modo de uso de sintetizadores, una clara búsqueda de nuevas dimensiones musicales. Los temas Time y The Great Gig in the Sky ponen el climax a la primera parte del disco. El gran espectáculo en el cielo marcado por el sólo de la corista Clare Torry, apoyada en los "backing vocals" por Doris Troy, Leslie Duncan, Liza Strike y Barry St Jhon. Hasta hoy marcan territorio como dueñas y señoras en el arte de emocionar al público con sendos solos vocales, irrepetibles y únicos. Un salto a la majestuosidad lírica.

La segunda parte de la placa comienza con la sobre explotada y archiconocida Money que a pesar del manoseo sufrido por años no ha desgastado la solidez del Saxo de Dick Parry acompañado por una magistral base de bajo y batería. La actuación de Nick Mason en la percusión se repite en todo el tema alcanzando su plenitud en medio del soleo de Gilmour, produciendo en ese instante la diferencia entre Floyd y las demás bandas del planeta, quiebre representado desde mi visión, en la siguiente pista titulada US and Them - nosotros y ellos - donde el trío saxo - guitarra - teclados nos sobrecogen con una sinfonía de suavidad acentuada por la limpia voz de Waters, llenando el aire de emociones tales de erizar la piel del más duro de los rockeros. Un largo tema que en ocasiones nos lleva al relajo de los sentidos para explotar en sonidos envasados iniciando la carretera musical de colores propios en Any Colour you Like, dirigido por una combinación de sonidos sintetizados, procesados por máquinas floydianas, de esas que no hacen más que seguir el viaje único y personal sin temor a verse eclipsado siquiera por algún daño cerebral.

En resumen, un disco que marca un antes y después en Pink Floyd, un primer desmarque a la influencia de Syd Barret para abrir las puertas al toque Waters - Gilmour. Una placa irrepetible en la historia del rock, el paso perfecto desde la locura incontenida de la sicodelia hacia la maestría y reposo de lo sinfónico y progresivo. Un disco para disfrutarlo frente al mar, mirando olas, cerveza en mano y con el cerebro totalmente estimulado. De otra mandera no podríamos creer que fue hecho hace 33 años ni entender porque ha vendido 35 millones de copias desde aquel lejano marzo del 73.

Ficha:

David Gilmour: Guitarra, voz y VCS3.
Nick Manson: Percusión y efectos de grabación.
Richard Wright: Teclados, voz, VCS3.
Rogers Waters: Bajo, guitarras, voz y VCS3
Producido por Pink Floyd. Grabado en los estudios Abbey Roads, Londres. Inglaterra, entre junio de 1972 y enero de 1973.

Temas para bajar:

The Reincarnation of Benjamin Breeg IRON MAIDEN (2006)

2006-08-22T11:17:00.000-07:00

Esta es la portada del single “The Reincarnation of Benjamin Breeg”, del nuevo disco de las leyendas del metal Iron Maiden. El lanzamiento está pactado para el mes de agosto y el album que lo contiene “A Matter of Life and Death” para el dia 5 de septiembre de 2006. Ya mucha gente ha escuchado el nuevo tema de siete minutos de duración con reminiscencias del sonido rockero de los setenta, algo nunca antes experimentado por los Maiden. Les adelanto que para mi gusto la portada esta bestial y este nuevo tema, aunque no extraordinario, me parece bueno, eso si no creo que el album logre la majestuosidad de entregas anteriores, en realidad considero que desde Fear of the Dark que Maiden no lanza un albun bueno, sin embargo todo se dirá en septiembre.

Al escuchar “The Reincarnation of Benjamin Breeg” me pareció un trabajo interesante. But wait! who is Benjamin Breeg?… sí! ¿Quién es Benjamin Breeg?. Nadie sabe con exactitud. Se supone que es un pintor nacido en 1939 y que se perdió en 1978 . Su primo lo ha buscado incansablemente hasta ahora sin obtener resultados. Algunos creen que es una clase de enigma para ser resuelto por los fans, otros dicen que Benjamín Breeg es una referencia a Winston Churchill o el antiguo vocalista Paul Di’Anno, por ahora es un misterio.

Estos son los temas del nuevo álbum

1. Different World (Smith/Harris) 4.17
2. These Colours Don’t Run (Smith/Harris/Dickinson) 6.52
3. Brighter Than a Thousand Suns (Smith/Harris/Dickinson) 8.44
4. The Pilgrim (Gers/Harris) 5.07
5. The Longest Day (Smith/Harris/Dickinson) 7.48
6. Out Of the Shadows (Dickinson/Harris) 5.36
7. The Reincarnation of Benjamin Breeg (Murray/Harris) 7.21
8. For The Greater Good of God (Harris) 9.24
9. Lord Of Light (Smith/Harris/Dickinson) 7.23
10. The Legacy (Gers/Harris) 9.20

Más información en www.ironmaiden.com

Ramones / Ramones (1976)

2006-08-16T08:22:00.000-07:00

Si hablamos de discos clásicos, de hitos musicales en la historia del rock, sin duda, éste es uno de ellos. Y no lo digo porque sea un fan irreductible de esta notable banda neoyorquina.

Reconocidamente, este disco breve y directo, pero a la vena, ha sido mencionado como la base fundacional del punk rock, al cual muchas bandas a lo largo del mundo aún continúan rindiéndole tributo.

Hablar de este disco sin referirme a sus integrantes sería un ejercicio inútil. Ramones estaba integrada por cuatro tipos barriobajeros que, probablemente, no habrían tenido mayores opciones en el sueño americano, de no ser por la música. Joey, el vocalista, había mostrado evidentes trastornos de aprendizaje, era más bien lento y su apariencia tampoco ayudaba mucho. Johnny, el guitarrista, era un matón de barrio; Dee-Dee, el bajista, un adicto a la heroína que, de acuerdo a lo que dice la leyenda negra, habría vendido su invicto para financiar su vicio. Por su parte, Tommy, el primer baterista, fue el más "sano"... quizás, por lo mismo, sólo participó en dos placas. En resumen: un puñado de perdedores que encontraron su redención en el rock and roll.

Después de dos años de deambular en bares de su natal distrito de Queens, en Nueva York (principalmente el ya legendario CBGB), la banda ingreso a estudios para grabar su primer disco, que tardó sólo 17 días de grabación.

En una época en que los sonidos dominantes eran el incipiente disco, el soul y el rock en sus diversas manifestaciones, Ramones irrumpía con un sonido transgresor, con temas de 2 minutos de duración, asfixiantes, rápidos, urgentes.

La temática representaba la realidad cotidiana de este cuarteto: consumo de drogas, letras románticas, referencias a películas clase B, disco que, en total, contabilizaba 14 temas comprimidos en 29 minutos.

¿Por qué ese disco tiene etiqueta de histórico? Porque con esta entrega, Ramones desarrolló un concepto musical y estético, que sirvió de influencia para muchas bandas. Sin esta placa, quizás no habríamos tenido Sex Pistols ni The Clash. Ambos grupos reconocen a esta placa y la posterior visita de los Ramones al Reino Unido, como un elemento catalizador de sus incipientes carreras musicales. Por otra parte, la estética de chaquetas de cuero sobre poleras gastadas, jeans raidos y zapatillas de lona se convirtieron en marca registrada de la banda y permanece hasta hoy, transversal a diversos estilos de rock.

Musicalmente, Ramones desarrolló un sonido propio y característico que, cambios más, cambios menos, se repetiría a lo largo de su trayectoria. Suelo hacer un paralelo entre AC/DC y los Ramones. Son estilos musicales bastante diferentes, pero ambas agrupaciones patentaron una forma y un estilo de hacer música. Las temáticas abordadas en sus canciones son parecidas y se trata de bandas que atravesaron décadas, siendo coherentes a su estilo y que –particularmente en el caso de los Ramones- murieron en la suya.

Menos palabras y más música: pongan este disco, suban el volumen hasta que reclame la vecina y a headbangear, como corresponde.

1. Blitzkrieg Bop
2. Beat On The Brat
3.Judy Is A Punk
4. I Wanna Be Your Boyfriend
5. Chain Saw
6. Now I Wanna Sniff Some Glue
7. I Don't Wanna Go Down To The Basement
8. Loudmouth
9. Havana Affair
10. Listen To My Heart
11. 53rd & 3rd
12. Let's Dance
13. I Don't Wanna Walk Around With You
14. Today Your Love, Tomorrow The World

Lovage - Music to make love to your old lady by - 2001

2006-08-14T15:09:00.000-07:00

En la carretera musical podemos encontrar variados estilos que nos sorprenden durante los años. Músicos versátiles y experimentales, oídos que se afinan con el tiempo y sentidos que se abren con la edad, que amplian horizontes y comienzan, en ocasiones a tolerar sonidos que antes ni pensaban en disfrutar.

Una vez leí en un artículo algo sobre los departamentos de solteros, de la organización y la finalidad que tienen, recuerdo que decía algo así como "...de la puerta al sillón, pasando por un vino tinto, alguna comida bien preparada, ambiente y una discografía ad-hoc para que la velada no tenga otro destino que la cama y que la mujer de turno en cuestión no repare en abrir las puertas del cielo". Bueno, no hice más que terminar de leer y me sumergí en mi cdteca a ver que es lo que hacía tan real ese artículo, y claro todo comenzó a tener sentido cuando en la sección cachonda aparecían discos de blues, lounge, algún compilado de buenas baladas rocanroleras y sobre todo un disco que alguna vez un amigo me regaló justamente porque "cuando estés con alguna chica, este no falla".

16 cortes componen esta placa de Lovage que de la mano del productor Dan "The Automator" Nakamura, recluta a Mike Patton (Faith No more, Fantomas, Mr Bungle) y la estupenda y sensual Jennifer Charles, reproduciendo una perturbadora, sexy, húmeda y caliente hora de música pensada para disfrutar del mejor sexo con tu chica, dejando brotar las pasiones y desatar las fantasías más ocultas al ritmo de un trip hop pegajoso, meloso, en ocasiones malévolo y candente. Atmósferas que transportan por pasajes de relajo y suavidad, casi como una lengua paseando por alguna suave espalda sudorosa para terminar en temas que agarran de tal forma que es imposible escapar a los embates de la carne. Eso es Lovage, pero lo más especial es que todas esas atmósferas están pensadas, hechas, estructuradas para disfrutarlas con una mujer especial y no con cualquiera que hayas encontrado en alguna noche de bar y rocanrol.

Entre los temas que destacan en este disco debo empezar por nombrar Strangers on a Train, un verdadero juego erótico, entre dos "desconocidos" que se encuentran en un tren; se enredan en un diálogo que se podría denominar un "descarado camino a la lujuria" en que la coqueta y sensual voz de Charles se trenza en una lucha de poder por dominar a un Patton que a esas alturas sólo debe pensar en que cualquier carro del tren sería bueno para la acción. Pero sin duda el climax del disco se alcanza con el temón "Sex (I´am)", una composición que no es erótica ni sensual, es lisa y llánamente una oda al sexo. Las líneas melódicas llevan indesmetiblemente a un orgásmo tanto a los ejecutores como a quienes lo escuchan, acompañados por letras explícitas en que ella, usando sus dotes líricos, se entrega mansa y dispuesta como una gata en pleno agosto a las manos de un macho listo para penetrarla con todo el poder de la testorterona. Y si no me creen simplemente escuchen la letra y lo entenderán, déjense llevar por las melodías más cachondas que encontrarán jamás y por la voz de una Jennifer Charles que sin duda evocará los más básico de vuestros instintos.

Luego la instrumental llamada Koala's Lament, compuesta por el sampleador Kid Koala, donde baja las revoluciones ocasionadas en el orgásmico tema anterior. Es de aquellos cortes pensados en quienes acostumbran fumar un cigarro después de una buena sesión de sexo, acariciando el cabello de la mujer que brindó tan sublimes momentos. El resto del disco descúbranlo, ojalá acompañados.

Aunque mis palabras anteriores parezcan un comentario a una placa hecha para follar sin sentido, debo insisitir en algo que quizá no repararon al leer, este trabajo está hecho para disfrutarlo con una mujer especial, es el acompañamiento perfecto para una velada romántica, hablando a los ojos, brindando con un buen vino en copas de igual calidad, en una atmósfera de conquista, romance, pasión y ojalá amor. Está hecho para acompañar palabras al oído, invitaciones a la locura, para entrelazar las manos y terminar donde quieran terminar. Ojalá con alguna vista panorámica hacia alguna bahía y con la luna llena como única testigo de lo que se viene...

Los temas son:

Ladies Love Chest Rockwell
Pit Stop (Take Me Home)
Anger Management
Everyone has a Summer
To Catch a Thief
Lies and Alibis
Herbs Good Hygiene & Socks
Book of the Month
Lifeboat
Strangers on a Train
Lovage (Love that Lovage, Baby)
Sex (I'm a)
Koalas Lament ( Instrumental )
Tea Time with Maseo
Stroker Ace
Archie and Veronica

Las líricas las pueden encontrar en http://www.alwaysontherun.net/lovage.htm

Temas para descargar:

Venom - Metal Black

2006-08-14T14:55:00.000-07:00

Estimados, tengo en mi poder la ultima placa de VENOM de nombre METAL BLACK rememorando su disco BLACK METAL pieza clave y fundamental para el black metal actual. Mmmm a ver... VENOM para mi es una de esas bandas que provocan un tanto de nostalgia pero que la vez evocan un poder y emocion increible al recordar discos como black metal del 82 y at war with satan del 84, para mi los mejores disco de esta mitica banda, agrupación que nunca se ha caracterizado por tener a los mejores musicos, excelencia en el sonido o temas de alta factura técnica, es mas, VENOM se caracteriza por tener un sonido pobre, crudo, enfermo casi in entendible como ocurrió en su primer disco llamado welcome to hell pero con letras netamente demoniacas, apocalipticas y escalofriantes, muchos de uds. diran:".... pero que banda mas mala o que mierda es eso" sobre todo ahora que grabar un disco es extremadamente facil en comparacion a esos años, y que hay miles de bandas en este momento que pululan de malulos al peo. Pues bien esta banda es así por que ellos lo decidieron en los años en donde solo Black Sabbath lo hacía y no tan explícimante, es mas, Sabbath nunca a reconocido su adoracion a satan, en cambio venom se reconocio una banda netamente SATANICA en los tiempos que Sabbath ya hacia derechamente heavy metal.

Ahora mientras escribo estas palabras en mi PC suena Burn In Hell corte extraido de metal black y debo decirles que estoy muy emocionado, ver que una banda que lleva años tocando y que han pasado por distintas etapas musicales pero siempre manteniendo su sonido caracteristico y que de pronto vuelven a sus mas puras raices a lo que siempre han sido y a dar clases de como es el verdadero black metal, sin tanta estetica, sin minas ricas encadenadas y sin tanta parafernalia y pirotecnia, si señores!!! black metal puro CRUDO, OBSCURO Y MALEFICO un disco que no es novedoso ni mucho menos, pero que trae una fuerza notable e impresionante. METAL BLACK es una de esas pieza que da gusto escucharlas por que a pesar de que pasen los años estos tres angeles del infierno (Cronos, Mantas y Abbadon aun que el unico original que queda es su lider Cronos) siguen con esa misma actitud y esa misma onda que cuando partieron. Muchos de Uds. pueden decir MARKETING los mismo con JUDAS PRIEST cuando volvio Halford lo mismo de MAIDEN cuando volvio Dickinson y Smith pero que mas da... si con disco como este todo eso importa nada, ojala bandas que tienen mucho mas marketing hicieran trabajos como este.

METAL BLACK 2006 Tracklisting:
- Antechrist
- Burn In Hell
- House Of Pain
- Death & Dying
- Rege Satanas
- Darkest Realm
- A Good Day To Die
- Assassin
- Lucifer Rising
- Blessed Dead
- Hours Of Darkness
- Sleep When I'm Dead
- Maleficarvm
- Metal Black

All Star Smash Hits / Smash Mouth

2006-08-14T08:49:00.000-07:00

Nuevamente selecciono un "grandes éxitos", esta vez, por motivos diferentes. Se trataba de una banda de la que había escuchado un puñado de temas que me habían agradado, pero de ahí a comprarme el disco, había una larga distancia. ¿Te has comprado un disco al que le tenías mucha fe y terminaba siendo un fiasco? Me ha pasado un par de veces. Pero ahora, gracias a los múltiples sistemas de descarga, podemos bajar un disco de Internet, escucharlo, desecharlo y si no te gusta, se va derecho a la papelera de reciclaje. O puede que nos llevemos una grata sorpresa, por el módico gasto de la conexión a Internet.

Eso me pasó con “All Star Smash Hits”, de Smash Mouth. Esta selección ciertamente incluye sus temas más conocidos y los temas que incluyeron en más de algún soundtrack, que multiplicó su fama a nivel global. Pero además están listados varios temas sorprendentemente gratos: el disco, que superó mis propias expectativas, no sólo no se fue a la papelera de reciclaje, sino que fue quemado para convertirse rápidamente en un alta rotación de mi discman. Es más, este grandes éxitos cumple su objetivo: dan ganas de escuchar más Smash Mouth, disco por disco. Así que tengo a e-donkey trabando en eso. Como burro.

La banda cultiva un rock ska, con ingredientes muy definidos: teclados bien setenteros, con una suave dosis de sicodelia, muy buenas guitarras y la característica y estilosa voz del gordo Steven Harwell (y Boris?). La música es bastante pichanguera y, al mismo tiempo, nostálgica. Fácilmente, puede ser el soundtrack ideal de un buen carrete o para bajarse unos litros de Escudo con un buen amigo (me imagino perfectamente dónde).

Por ahí, para muchos, puede sonar como una banda que cultiva y desarrolla una música para adolescentes. Si bien, la música es bastante oreja y se deja escuchar, no creo que ese sea ningún pecado. La música es y debe ser, por esencia, una fiesta. Y creo que esta selección de temas cumple con este dogma a cabalidad. En el fondo, se trata de música para el adolescente que todos llevamos dentro. Mal que mal, hemos pasado los treinta con creces, pero aparte de los trabajos y las responsabilidades, nos seguimos divirtiendo con las mismas cosas de hace quince años. Y me gusta.

No es casualidad que cada vez que me pongo el discman y el día está gris y lluvioso, al tercer corte ya me estoy imaginando un día soleado, en la playa, rodeado de chicas guapas, cerveza en mano y bailando “Walkin' on the sun”. Si una banda, un disco o una canción son capaces de dibujar una sonrisa en tu rostro mientras las escuchas, no se puede tratar de un mal grupo. Para nada.

¿Menciones destacables? La ya mencionada “Walkin' on the sun”, quizás el emblema de la banda; la melancólica “Waste”, ¿quién no se ha sentido así?; “Then the morning comes”, entre otras. Otro punto alto es que se trata de una buena banda de covers, que más que registrarlos como copia fiel del original, los interpreta siendo coherentes a su estilo, ofreciendo versiones bastante refrescantes de viejas canciones. En este caso, me refiero a “Why Can't we be Friends”, de War; "Every Word Means No", de Let's Active; "Can't Get Enough of you Baby", de ? and the Mysterians; “Do it again”, de Steely Dan; "I'm a Believer", de Neil Diamond; y la siempre optimista "Getting Better", de los Beatles.

Eso sería. Cuando quieran nos juntamos a escuchar este disco, yo pongo las chelas.

P. D. Is there anybody out there?

1. All Star
2. Walkin on the sun
3. Flo
4. Beer Goggles
5. Why Can't We Be Friends
6. Diggin' Your Scene
7. Waste
8. Then The Morning Comes
9. Come On, Come On
10. Can't Get Enough Of You Baby
11. Every Word Means No
12. Better Do It Right
13. Do It Again
14. Holiday In My Head
15. Pacific Coast Party
16. I'm A Believer
17. Ain't No Mystery
18. Hang On
19. Always Gets Her Way
20. Getting Better

Slayer "Christ Illusion" (2006)

2006-08-10T13:09:00.000-07:00

Recordando septiembre del 94 para ese ya mítico Monster of Rock, el primer y verdadero festival de rock hecho en Chile, al recordar la actuación de Slayer esa noche en la estación Mapocho, fue simplemente un sueño hecho realidad para muchos metaleros. ¡Sencillamente increíble! de aquel entonces han pasado 12 años y el viernes 9 de septiembre próximo se presentaran por primera vez con un show propio en su tercera visita a nuestro pais.

Slayer esta de regreso con un álbum impresionante llamado "Christ Illusion", el cual trae 10 cortes de un muy buen Thrash metal muy en la línea del sus últimos trabajos pero a ratos nos hace recordar clásicos como Reign in Blood y South of Heaven. 10 temas muy parejos uno del otro un disco que en lo personal me vasto escucharlo una vez para comprobar que se trata de un gran material y si se escucha mas de una vez puede llegar a ser facilmente un disco de cabecera durante un par de semanas y tal vez convertirse en un clásico de la banda, pero eso sólo el tiempo lo dirá.

Al referirse a este nuevo trabajo, Kerry King guitarrista de la banda señala "Me encanta. Me gustaba muchísimo God Hates Us All y creo que ese era nuestro mejor disco desde Seasons In The Abyss, pero creo que Christ Illusion es aún mejor. Es más completo y musicalmente mejor: todas las interpretaciones son geniales. Creo que es más intenso, no porque estemos intentando hacer 'Reign In Blood: The Sequel,' si no porque es hacia donde nuestra forma de escribir nos está llevando."

En mi modesta opinión esta visita no se puede dejar pasar por ningún motivo. Yo mismo casi no escucho Slayer pero disfrutarlo con material nuevo después de tantos años revitaliza mis ganas de seguir escuchando Thrash metal.

Los pioneros del Thrash Metal más extremo vienen el país con su formación más clásica, que incluye: a Tom Araya en las voces y bajo; Kerry King y Jeff Hanneman en las guitarras y el batería Dave Lombardo, retornado hace poco tiempo al grupo.

Temas del disco

1. Flesh Storm
2. Catalyst
3. Eyes Of The Insane
4. Jihad
5. Skeleton Christ
6. Consfearacy
7. Catatonic
8. Black Serenade
9. Cult
10. Supremist

Si desean bajar el disco este es el link

http://rapidshare.de/files/27016211/Slayer-Christ_Illusion_By_www.charles_manson.cl.nu.rar.html

Vianda de Ayer / Retrospectiva 1991 - 2002 · Divididos

2006-08-08T09:16:00.000-07:00

Por lo general, no soy de los que compran discos Grandes Éxitos. En este caso, fui fiel a la premisa. Hace unos meses me regalaron "Vianda de Ayer", el disco antología de Divididos.
Para ser sincero, si no me lo regalaban, no lo habría comprado. Pero dicen que a caballo regalado no se le mira el diente.
Leí el listado de títulos de la carátula y, de entrada, me pareció decepcionante. Ni un sólo track nuevo que fuera la excusa para lanzar el disco. No obstante, lo puse en el discman (aún no me da para I Pod, pero estamos en eso) y pude escuchar las mismas canciones mil veces escuchadas y vaciladas y, luego de una o dos pasadas, llegué a la conclusión que se trata de un gran disco... de antología.
En primer término, creo que la banda liderada por la dupla Mollo-Arnedo acierta a través de una óptima selección de temas, que dan buena cuenta de lo que ha sido la trayectoria del trío. Por cierto, incluyen un par de imperdibles como "Que ves" o "El Arriero", de "La Era de la Boludez". Pero también incluyen temas menos escuchados, pero que son un alarde de genialidad, como la baguala "Vientito del Tucumán", de "Gol de Mujer"; o la oscura "Como un cuento", de "Narigón del Siglo".
Por un lado, se pasean por casi todos los trabajos de la banda y, al mismo tiempo, reflejan a través de las canciones los diferentes estilos por los que la banda se desenvuelve con comodidad y estilo. Además, incluyen el ya clásico potpourri de Sumo, que describe de buena manera la potencia que el trío ofrece en vivo.
¿Qué más puedo decir? Que recomiendo el disco a quienes no conocen tanto de Divididos. Como una suerte de curso "Divididos para principiantes". Pero, al mismo tiempo, un disco para ya iniciados, con una selección de temas que cualquier fanático habría escogido dentro de sus favoritos.
Sólo me cabe preguntarme por qué no incluyeron ningún corte de "Otro le travaladna".

divididos desde siempre
desde el aula hasta el bar
pero algo nos juntó...

01 La ñapi de mamá
02 Spaghetti del rock
03 Pepe Lui
04 Alma de budin
o5 Par mil
06 Cajita musical
07 Luca
08 Potpourri (En vivo): El ojo blindado / Estallando desde el océano / Mejor no hablar de ciertas cosas / Haciendo cosas raras
09 El burrito
10 Ala delta
11 ¿Qué ves?
12 Como un cuento
13 Vientito del Tucumán
14 El arriero
15 El 38 (En vivo)